EL FARO DE LOS CORAZONES EXTRAVIADOS – Celia Santos ( e ilustrado por Sonia Sanz).

AUTORA: Celia Santos.

EDITORIAL: Toromítico.

I.S.B.N.: 978-84-96947-84-9.

Nº DE PÁGINAS: 40.

Reseña realizada por Eduardo Cruz Acillona y Anita Noire.

“El faro de los corazones extraviados” sería un libro normal, como otros muchos que pasan por nuestras manos, si no fuera por un detalle sin importancia: la autora del mismo es Celia Santos…

Y Celia Santos es nuestra jefa y nuestra amiga… O sea, que no podemos despotricar contra nuestra jefa ni podemos excedernos en la pirotecnia con nuestra amiga.

En definitiva: que tenemos que hablar de un libro que nos puede costar el despido, el final de una gran amistad o todo lo contrario…

Apelando a la comprensión y solidaridad del lector, esta reseña comienza así:

EDUARDO: Yo veo la portada de este libro en una estantería y me llama la atención, me paro a verla y a curiosear. El dibujo me recuerda a los de Tim Burton… Pero a un Tim Burton antes de que le robaran todos los rotuladores salvo el negro…

ANITA: ¿Qué quieres decir? No me recuerda para nada a Tim Burton. (Me siento presionada, Eduardo, mira que después tendré que aguantar las preguntas insidiosas de Celia en cuanto a esta reseña, que no sólo vivimos cerca sino que encima trabajamos mucho más cerca aún). En realidad, yo me hago una pregunta ¿Por qué a estos cuentos, en lugar de cuentos ilustrados, les llaman álbumes ilustrados? No me gusta, la terminología, digo.

EDUARDO: Yo sostengo que el problema de la terminología tiene su origen en Paulo Coelho, cuando insiste en que lo suyo son novelas. A partir de ahí, hasta las Páginas Amarillas podrían calificarse como álbumes ilustrados… En todo caso, más allá de cómo quieran que los llamemos, este tipo de libros cuentan con una doble dificultad para destacar sobre el resto: además de un texto de calidad (exigible al relato), requiere de unos dibujos también de calidad y, sobre todo, acordes al texto. Yo he llegado a leer una versión de Caperucita que parecía ilustrada por el estilista de Victoria’s Secret. Y la única gracia que tenía era comprobar si el personaje del lobo se parecía a Karl Lagerfeld o a Donatella Versace… ¿Tú crees que Celia y Sonia han conseguido esa necesaria sintonía entre sus respectivos lenguajes?…

ANITA: Es cierto, casar las ilustraciones con la trama de un cuento como el que ha escrito Celia, es sumamente complicado. La cantidad de detalles y lo emotivo de la historia requiere que ilustradora y escritora se compenetren perfectamente en su trabajo. Me consta, porque tuve la suerte de conocer el proyecto desde el principio, que la conexión entre ambas fue total y eso,  lo queramos o no, se hace evidente en el resultado final. Tenía que decirlo, estuve en las “ecografías” de la niña.

EDUARDO: Vaya, está muy bien eso de las “ecografías” en un cuento ilustrado cuyos personajes principales son unos corazones… Es algo que me ha llamado mucho la atención. A diferencia de otros cuentos, en éste el personaje principal de la niña lo es todo. Una niña, avancemos un poco el contenido, que vive en un faro y que dedica su vida a cuidar a los corazones extraviados y malheridos que el mar arrastra hasta la playa. A diferencia de otros cuentos, digo, aquí no hay monstruos (lo que es de agradecer por alguien que ve a diario los informativos de televisión). Y tampoco hay bellos y valientes príncipes (lo que también es de agradecer por la misma razón anterior). Tan sólo una niña y una sucesión de corazones por rehabilitar. Y la forma de hacerlo la niña es otro aspecto del cuento que también me ha parecido muy atractivo. “Les cuenta historias divertidas de todo tipo”, dice la narradora… El poder salvífico de la literatura…

ANITA: Pienso precisamente que la gracia del cuento es que se aleja de los típicos en los que tenemos una figura buena y una figura mala que termina transformándose en algo estupendo. Los cuentos para niños suelen mostrar estos antagonismos que son un poco desquiciantes. Hay más mundo más allá de la continua confrontación de personajes. La originalidad, posiblemente en que todo el peso recae sobre una niña, que no sabemos cómo se llama, que no sabemos qué es de ella y que puede, sólo puede, que sea la encarnación del bien. Creo que me estoy poniendo ñoña, Eduardo, negaré que he escrito esto.

EDUARDO: Cuando se habla de sentimientos, de corazones extraviados o, incluso, de niñas buenas, es fácil caer en la ñoñería (¿o se dice “ñoñez”?). No es el caso de este libro. Ni en la parte de texto (donde no hay concesiones al adjetivo gratuito y edulcorado) ni en la ilustración (donde no hay cabida para el rosa chicle, las mariposas de vivos colores ni el sempiterno arco iris como metáfora de la felicidad). Ahora que ya se escucha llegar a la Navidad, nada mejor que combatir su ñoñería (o ñoñez, que lo he mirado en la web de la RAE) regalando este libro, ¿no te parece?

ANITA: Sinceramente, sí. En el mercado se pueden encontrar muchos cuentos, casi todos enormemente pastelosos cuando se habla de sentimientos, pero tenemos la suerte de haber encontrado uno que, no es por nada, habla de la recuperación, de que cuando las cosas vienen mal dadas y el corazón te queda echo trizas, siempre hay gente buena a tu alrededor que te ayuda a superar eso. Puede que la moraleja del cuento sea esa, yo quiero pensar que sí. No me cabe ninguna duda de que es un buen cuento, una historia de optimismo y eso, en los tiempos que corren, no es ninguna tontería. Tengo un encargo grande a los Reyes Magos, así que ve haciendo tu carta si no quieres quedarte sin él…

NOTA FINAL DE LOS ARRIBA FIRMANTES: Es posible que la reseña nos haya quedado un poco en plan “programa de Teletienda”. Ya dijimos al principio que no iba a ser fácil. Celia Santos es, lo recuerdo, jefa y amiga. La culpa es suya.

RUMBLE.

AUTORA: Maitena Burundarena.

EDITORIAL: Lumen.

I.S.B.N.: 9788426419811.

Nº DE PÁGINAS: 288.

Reseña realizada por Eduardo Cruz Acillona.

Asegura la autora que la expresión que da título a la novela es la onomatopeya que, con grafía roja y zigzagueante, se utiliza en los comics para señalar el temblor de la tierra bajo los pies, la erupción de un volcán, etc. Busco en internet ese dibujo para ilustrar el texto y encuentro de todo salvo lo que quiero.

Algo parecido sucede en la historia que nos cuenta la autora de la exitosa saga de “Mujeres alteradas”. El “rumble” de la novela hace referencia, en boca de la protagonista, a “esa sensación que te frunce todo adentro del cuerpo y tenés que apretar los labios y mordértelos para que no se te caigan los dientes”…

Rumble empieza siendo sinónimo de dentera y acaba siendo…

No, no te voy a contar el final de la historia aunque algo podrás sospechar si te digo que ésta tiene bastante de autobiográfico. Transcurre en los convulsos años setenta argentinos, entre la muerte de Perón en 1974 y el Mundial de Fútbol de 1978. En ese escenario, una chica de doce años, cuyo nombre nunca llegaremos a saber, hace de las calles de Buenos Aires su particular aula de la mano de sus compañeros de un colegio al que faltan de manera sistemática y de un amor platónico que conduce un autobús de línea.

Hija de un padre ausente, porque siempre está viajando por motivos de trabajo, y una madre que sólo quiere estar encerrada en su dormitorio durmiendo, sus cuatro hermanos no son motivo suficiente como para hacerla querer regresar a casa todas las tardes. Y aunque la chica no manifiesta en ningún momento que quiera ser guardiana entre el centeno, la novela resulta un viaje iniciático de alguien que aspira a vivir al margen de lo que le ha tocado en suerte y descubrir que el destino no es otra cosa que el azar mal disimulado.

Al igual que en los diferentes personajes que Maitena ha ido mostrándonos en sus ya referidos volúmenes de “Mujeres alteradas”, la chica protagonista de esta novela está armada de una fuerte personalidad. Quizás en este punto se nos venga a la cabeza el nombre de Mafalda… Bueno, seguramente ni el propio Quino podría aventurar cómo sería Mafalda a la edad de doce años.

Esta chica (qué incómodo para hablar de ella que no tenga nombre propio) es tan dulce como contestataria, tan madura como inconsciente, tan alocada como tímida… Es, para qué nos vamos a pelear con los adjetivos, una chica de doce años.

Escribiendo este monólogo, recuerdo algo que me dijo una camarera en Puerto Madero, en Buenos Aires: “En Argentina, hasta el pasado es impredecible”. En esta novela, viene a ser un poco también eso. Merece la pena conocer la historia de esta chica sin nombre que, condimentos de ficción aparte, acabó convirtiéndose años más tarde en la que hoy conocemos como Maitena Burundarena. Con todas sus letras.

Por Anita Noire.

Podía haber amanecido lloviendo, no en vano la tormenta que ayer barrió de agua Barcelona fue tremenda, pero el día se ha presentado placido, una mañana de otoño típica de esta ciudad. A las 10:30 horas los medios estaban convocados en la Librería Laie de Barcelona, para la presentación de la edición en castellano de “Sadístico, esperpéntico e incluso metafísico” de Terenci Moix, que la editorial Berenice acaba de publicar.

Una presentación, esperada, que ha contado con la presencia de su editor Manuel Pimentel (Editorial Berenice) y de Ana María Moix Messeguer, escritora ante todo, y hermana del fallecido Terenci Moix.

Mucho se podría escribir sobre el trabajo de este autor, de su perfecta recreación de la sociedad tardo-franquista de este país; de la decadente y opresiva burguesía catalana que refleja en sus novelas, que se siente atacada por una sátira mordaz que la atrae y la espanta al mismo tiempo; del enfoque absolutamente vanguardista y rompedor en el abordaje de una sexualidad compleja que imprime una mirada distinta sobre el mundo; de la prolija y diversa actividad literaria que tuvo.

Y mucho nos queda por descubrir sobre el proceso creativo de Terenci Moix; sobre su obsesión por reescribir, una y otra vez sus textos antes de su publicación (incluso después de ella); de su compulsión en la escritura; horas ininterrumpidas de escritura voraz que se convierten en interminables jornadas, prolongadas más allá de lo que cualquier otro podría permanecer frente a un papel; de su formación autodidacta que nada tenía que envidiar a otros formados de otro modo más convencional; de la influencia vital durante su estancia en Italia; de la necesidad permanente, casi exhibicionista, de hacer partícipe a su círculo más cercano, en especial a su hermana, de todo lo que escribía en busca de la crítica que reforzase su obra; del pánico (hasta el vómito) a enfrentarse a un auditorio desconocido, pese a su aparente extroversión; de la intensidad de sus sentimientos; de sus sensaciones; de lo controvertido y entusiasta que era como ser humano; del asfixiante mundo de su sexualidad gestada durante una adolescencia no poco atormentada. De todo eso, y de algunas cosas más es de lo que hoy hemos podido hablar con la brillante Ana María Moix, acompañada de Manuel Pimentel.

La novela escrita a mediados de los años setenta, en plena vanguardia de la literatura catalana, ha permanecido inédita en lengua castellana hasta ahora. El perfeccionismo de Moix fue, posiblemente, la razón por las que no se tradujo esta obra en vida de su autor. Sin embargo, desde este momento disponemos ya de “Sadístico, esperpéntico e incluso metafísico” en castellano, gracias al estupendo trabajo de traducción realizado por Juan Bonilla, que ha conseguido que no haya perdido ni un solo ápice de la intensidad del texto original de Moix.

Puede que no esté todo perdido en el mundo editorial, que no se esté empobreciendo del todo el mundo literario cuando, con valentía, sin miedo a no caer en lo meramente comercial, se editan obras que rompen esquemas, que sea alejan de los tópicos y que dejan de tratar al lector como si de un anormal se tratara. Pero para eso hacen falta editores que ejerzan su oficio pensando no sólo en ventas y rankings, sino recordando que, casi siempre, se convierten en los baluartes de la literatura.

Mis más sinceras felicitaciones a Berenice y las gracias a Ana María Moix Messeguer por posibilitar el acceso de esta obra genial a los lectores de lengua castellana que quieran acercarse de lleno a la literatura de uno de los escritores más geniales, controvertidos y vanguardistas que nos dio la literatura española del siglo XX.

Y un recuerdo para el colosal Terenci Moix.

300 DIRECTORES MALDITOS.

AUTOR: Augusto M. Torres.

EDITORIAL: Cátedra.

ISBN: 9788437627557.

Nº DE PÁGINAS: 432.

Reseña realizada por Javier Ortega.

Las guías cinéfilas cuentan en nuestro país con un número creciente de adeptos. Augusto M. Torres tiene una dilatada experiencia en dicho ámbito, al que añade una muesca más con esta relación de directores malditos, de los cuales incluye una reseña por lo general escueta y acaso en exceso sintética.

Naturalmente, ante un volumen como este ha de plantearse inevitablemente una cuestión previa. ¿Qué debemos entender por directores o cineastas malditos? ¿Qué sentido atribuir con propiedad a dicha expresión, tan empleada por otra parte en los últimos lustros? Si atendemos a lo insinuado por el autor en el esbozo de prólogo, se trataría de directores de filmografía exigua o escasamente divulgada, con frecuencia a causa de circunstancias que les eran por completo ajenas, como el de los numerosos damnificados por la caza de brujas emprendida por el senador McCarthy o, en el otro polo del orbe político, los perseguidos o represaliados por Stalin. Sin embargo, la definición se aparece imprecisa, no suficientemente delimitada, y en consecuencia el listado de nombres resultante (trescientos, como los espartanos) se antoja algo confuso, dada la disparidad abismal entre unos y otros, la escasa entidad artística de muchos de los citados (si bien Torres ya nos advierte desde el inicio de su marcada predilección por “los perdedores”) y la seria dificultad para extraer conexiones de cualquier índole entre la inmensa mayoría de ellos.

Dicho esto, no mucho más cabe oponer al libro pergeñado con su proverbial oficio por Torres, ya veterano y muy ducho en estas lides. El lector encontrará en él suficiente material de interés y motivos para el disfrute. Como obra de consulta no carece en absoluto de utilidad, y siempre hay que saludar con alborozo la reivindicación de cineastas como Todd Haynes, Richard Linklater o Ivan Passer, entre otros tantos que merecerían sin duda mejor suerte y difusión de la que todavía hoy gozan.

AUTOR: Don Winslow.

EDITORIAL: Mondadori.

ISBN: 9788439723738.

Nº DE PÁGINAS: 288.

Reseña realizada por Carlos Luria.

Entre la espada y la pared. O, mejor, entre una pared altísima que no hay forma de saltar ni de rodear ni de derribar, y muchas espadas cuyos filos apuntan directamente a tu garganta, a tu corazón, o incluso más abajo, allí donde los cursis dicen que son las partes nobles. Esta sería, en síntesis, la peliaguda situación de Tim Kearney, el protagonista de “Muerte y vida de Bobby Z”, la novela del neoyorquino-revelación Don Winslow (Mondadori). ¿El argumento? Tim es un perdedor nato –dotado de una ironía afilada para combatir los terrores varios de este mundo- al que la DEA, el famoso cuerpo antinarcóticos norteamericano, propone salir de la cárcel a cambio de suplantar a Bobby Z, un legendario capo de la droga californiano. Y Tim acepta. Y a partir de ahí, al doble de Bobby Z  le crecerán unos enanos muy particulares y violentos que pretenderán acabar con él sin más rodeos: un enjambre enfurecido de moteros, unos mexicanos colgados, un siniestro capo con sed de venganza, la propia DEA… Y Don Winslow, que no se corta un pelo a la hora de encajar en el argumento a un crío la mar de listo, narra las persecuciones,  los amores, los tiros y las muertes con toda la frialdad de este mundo, pero al mismo tiempo con un humor a prueba de bomba (también hay bombas, por cierto) y una maestría estilística de mago del suspense que deja al lector sin aliento y ávido de nuevas emociones. Leer a Don Winslow en “Bobby Z” es un subidón literario para gente sin perjuicios, y si alguien no lo conoce, sugiero que después de leer este libro se acerque también a “El poder del perro” y “Salvajes”, del mismo autor. No quedará defraudado.

En suma: “Muerte y vida de Bobby Z” es el libro que encantaría leer a John Ford, a Hitchcock, a Sam Peckinpah, a Tolstoi, a Mario Puzo, a Chandler y, por supuesto, a Tarantino. Lo cual no es una mala presentación.

VAMPIRISMO IBÉRICO.

AUTOR: Salvador García Jiménez.

EDITORIAL: Melusina.

ISBN: 978-84-96614-28-4.

Nº DE PÁGINAS: 234.

Reseña realizada por Eduardo Cruz Acillona.

“Hay gente pa to”, solía decir con frecuencia el famoso vampiro Rafael el Gallo…

Sí, sí, han leido bien: vampiro. Al menos, según se desprende del contenido de “Vampirismo ibérico”, un libro en el cual su autor hace un recorrido por todos los diferentes especímenes de vampiros que han poblado nuestro suelo patrio empezando, ni más ni menos, y agárrense que viene curvas, por los mismísimos Borbones, desde Alfonso XIII (cuya tuberculosis le obligaba a beber cantidades ingentes de sangre) hasta prácticamente nuestros días.

Pues eso, que hay gente pa to…

Realmente, el libro no es tanto un compendio de vampiros al uso como un inventario de personajes relacionados de algún modo con la sangre. Unos, de manera muy directa (los toreros, los trabajadores de los mataderos, las sanguijuelas, etc…) y otros traídos prácticamente por los pelos, como un ladrón que en los años setenta en Madrid se apropiaba indebidamente de todos los autorradios que encontraba a su paso y que se hacía llamar “El Conde Drácula”.

No falta, incluso, aquel famoso helado de color negro por fuera y rojo por dentro que también se llamaba “Drácula” y del que el autor dice que, después de comerse uno, “queda un hilillo rojo chorreando entre la comisura de los labios, en recuerdo del buen mordisco de Drácula”. Bueno, vale.

Obsesivamente documentado, en el texto no dejan de aparecer palabras tocadas con el clásico numerito como peineta aclaratoria que, incomodidad de la edición, nos remite a las últimas páginas del libro para descubrir el origen de la cita, el dato o la anécdota en cuestión. En total, si los cálculos no me han fallado, hasta 650 anotaciones para un total de 234 páginas, y que sólo ellas ya ocupan otras 32 páginas. Además de 6 páginas de bibliografía utilizada para la redacción de esta sangrienta tesis cuasi doctoral.

Para que se hagan una idea de lo que contiene este Museo del Colmillo, ya les avanzo que si lo visitan se encontrarán con la celebración de la misa (y su consabida transformación del vino en la sangre de Cristo), los controladores antidopaje de las grandes competiciones ciclistas (que irrumpen en las habitaciones de los deportistas a horas intempestivas y les extraen una muestra de sangre para su posterior análisis), Jaime de Marichalar y Ramón García vestidos con capa española, etc…

Sólo he echado de menos a un personaje relacionado estrechamente con la sangre: esa mujer vestida con traje rojo y que se presenta de improviso con impostada alegría diciendo “Hola, soy tu menstruación”…

Y hasta aquí la primera parte del libro que es, he de confesarlo, todo lo que he llegado a leer. La segunda parte (“Fauna” se titula), anuncia una sucesión de relatos de crímenes cometidos por personas transformadas en auténticas y despiadadas bestias. Relatos más propios del extinto “El Caso” o del programa de Iker Jiménez.

Con eso, lo siento, yo no he podido. Bastante he tenido ya esta semana con los augurios para el año que viene del Fondo Monetario Internacional y con la boda de la Duquesa de Alba y ese particular de nombre Alfonso Díez que también parece un vampiro.

Por lo demás, un libro muy recomendable para fans de este mundo entre lo satánico y el ketchup, entre la enfermedad y el misterio, entre el rojo y el negro, entre la España profunda y Bram Stoker.

Y una última recomendación: si tienen ocasión, no dejen de deleitarse con todos y cada uno de los detalles que ilustran la cubierta, tanto la portada como la contraportada. Se trata de un diseño original del también original y siempre genial dibujante Miguel Brieva.

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AUTOR: Félix de Azúa.

EDITORIAL: Debate.

ISBN: 978-84-9992-003-0.

Nº DE PÁGINAS: 368.

Reseña realizada por Javier Ortega.

Como prueba inequívoca de la pertinencia y vigencia de una obra, Debate acaba de reeditar, remozado para la ocasión, el ya célebre Diccionario de las Artes alumbrado por Félix de Azúa allá por 1995 (y vuelto a revisar, como ahora, en 2002). Se trata de uno de esos libros que el discurrir de los años decanta sin ambages hacia la excelencia, por más que el tono empleado por el autor en su confección carezca en modo alguno de pretensiones tan elevadas (cuanto menos en la superficie) y goce para bien de un tono desenfadado y hasta ligero, huérfano de afectación.

Tras el ropaje formal de un diccionario al uso, Azúa propone al lector una reflexión sagaz y sumamente amena a propósito de la evolución de lo que se ha dado en llamar Arte (o “artes”, disquisición esencial que vertebra el texto). El periodo histórico contemplado se remonta a la Antigüedad, si bien la mirada del autor se detiene con especial énfasis en las últimas décadas, en lo que, desde instancias más engoladas, viene a denominarse comúnmente Modernidad. Las voces contenidas –Color, Espectáculo, Bello, Deconstrucción…– se erigen en pretexto necesario para que el autor desgrane un discurso irónico, henchido de sarcasmo, en el que asistimos perplejos y fascinados a la gran pantomima en que se ha convertido gradualmente el panorama “artístico”; un retablo de vanidades en el que lo accesorio suplanta con extraordinaria frecuencia a lo esencial, y en el que se concitan los más variados intereses, desde los abiertamente espurios a los más legítimos y honorables.

Catedrático de Estética en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Cataluña, Félix de Azúa es bien conocido por sus periódicas colaboraciones en el diario El País, y el público más avezado sabe también de su extensa y muy valiosa bibliografía, que incluye notables incursiones en lírica y narrativa. Una de sus muestras más refulgentes es sin duda esta obra, que invita a una lectura enjundiosa y esclarecedora al tiempo que divertida.

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AUTOR: Javier Márquez Sánchez.

EDITORIAL: Hidra.

ISBN: 978-84-929-39-36-7.

Nº DE PÁGINAS: 336.

Reseña realizada por Antonio Calzado.

LOS REBELDES DE CROW O EL PLACER DE NARRAR.

Siempre he creído con toda sinceridad que, para cualquier lector, resulta muy reconfortante el hecho de comprobar que todavía existen escritores que, sencillamente, disfrutan de lo que cuentan. Javier Márquez Sánchez (Sevilla, 1978) ya me había sorprendido muy gratamente con su primera obra de ficción, La Fiesta de Orfeo (2008) que más que una novela es un despliegue novelado del mejor cine de terror clásico en formato esta vez de papel, donde la acción se sucede sin dar tregua al lector. Siguiendo estos mismos derroteros (en la narrativa de Márquez el lector nunca tiene un respiro, créanme, nunca) ha salido a la luz en la editorial Hidra su segunda novela, Los Rebeldes De Crow, una narración supuestamente juvenil con demasiados matices para quedarse dentro de esta etiqueta de conveniencia, que utilizan los críticos (y los que hacemos reseñas) cuando no saben o no sabemos dónde encajar un libro concreto.

Javier Márquez cumple al pie de la letra el primer mandamiento del escritor vocacional, que reza así: Escribiré, sobre todas las cosas, lo que a mí me dé la gana, y disfrutaré haciéndolo. Y esto se nota en la narración: la literatura suele premiar a los audaces que se lanzan sin vacilar a sus revueltas aguas con el entusiasmo por bandera, y así ocurre en este caso: el gusto por narrar de Javier Márquez consigue el milagro de apropiarse del lector hasta tal punto que este ya no puede dejar de leer hasta la última página del libro. En realidad, se trata de un proceso semejante al contagio de un virus: en este caso de un virus benigno y maravilloso, al que llamaremos amor por la literatura.

La prosa de Márquez está teñida de este entusiasmo narrativo que se desborda brillantemente por sus cuatro costados: sin embargo, no crean que este es el único recurso del autor cuando se enfrenta al desafío del papel en blanco. El entusiasmo es fundamental (nada valioso pude hacerse sin él, y menos en literatura) pero se necesita algo más. Y aquí es donde Márquez saca a relucir toda su artillería, basada sobre todo en su gran capacidad visual y en el ritmo endiablado con el que exprime, literalmente, cada una de sus novelas. Añadan a esto una trama absorbente llena de guiños musicales y cinéfilos (otra constante en sus obras que le agradecemos particularmente los lectores veteranos), unos personajes creíbles e interesantes, independientemente de que se vean más o menos sujetos a las convenciones del género, y un sentido del humor muy particular que aflora cuando menos se lo espera, aliviando en caso necesario la tremenda tensión argumental. Agiten bien todos estos ingredientes añadiendo unas gotas de distopía que, bajo la ambientación presuntamente juvenil y festiva, nos harán reflexionar en nuestro futuro con cierta inquietud, y ya tienen como resultado Los Rebeldes de Crow: una magnífica novela de acción que recomiendo vivamente a toda clase de lectores, sin importar para nada su edad.

El inicio de la novela ya se nos muestra muy prometedor, sin que la continuación (que no comentaré aquí por razones obvias) desmerezca en absoluto: Sara, Ray y Alex son tres jóvenes que se dedican a explorar edificios abandonados, encontrando en uno de ellos el cadáver de un individuo al lado de un extraño aparato parecido a un mando a distancia. Accidentalmente, el artefacto se pone en funcionamiento, sin más consecuencias aparentes que la desaparición del cadáver. Incapaces de encontrar una explicación, el trío protagonista se retira llevándose el aparato. Pero el mundo al que están acostumbrados ha cambiado sutilmente, sin que sea fácil descubrir la naturaleza exacta de estos cambios. Aunque algo sí parece evidente: la agresividad de las personas ha crecido de manera aterradora, y de hecho este grado de violencia no sólo se tolera, sino que se fomenta social y políticamente… A partir de aquí Sara, Ray y Álex tendrán que defenderse con uñas y dientes de un mundo hostil durante su frenética búsqueda de la verdad.

La juventud de los protagonistas podría dar pie a burdas ñoñerías al estilo de Crepúsculo (el Hello Kitty de los vampiros, en afortunada expresión del mexicano Jose Luis Zárate). Por suerte para el lector, Márquez ignora por completo este “recurso” edulcorado y nos presenta una novela dura y peligrosa, con tiroteos, heridas de bala y muertos de verdad… y sobre todo con un ritmo endiablado que harían bien en imitar muchos azucarados y sensibles autores. Pero no sólo eso: el horror de la tiranía y de la manipulación mental está magníficamente encarnado en la siniestra figura de Sydow: el magnate que sueña con dominar su mundo “ideal” donde sólo los más crueles sobreviven. A quien me diga que este personaje tiene algo de tópico le diré que sí, y acto seguido le hablaré del Grupo Bilderberg, del Fondo Monetario Internacional o del Tea Party norteamericano: parece que los “tópicos” han abandonado definitivamente la ficción para venir a instalarse en nuestro mundo.

Pero toda tiranía por poderosa que sea engendra a la larga una resistencia, y este es el mensaje de esperanza en la (desde cierto punto de vista) inquietante y oscura novela “juvenil” de Márquez. Oliver Crow es un outsider que se limita a sobrevivir con su grupo de rebeldes motorizados en los márgenes del sistema. Curiosamente será otros tres outsiders (Sara, Alex y Ray) los que al fin encaucen su energía y su odio latente contra Sydow, en una revolución que finalmente pretende romper las cadenas de la tiranía. El hecho de que los protagonistas sean “antisistema” cada uno a su manera… ¿no les dice mucho acerca de nuestra sociedad actual? Y todavía hay por ahí quien sigue diciendo que la literatura fantástica tiene el defecto de no reflejar el estado de la realidad… Bueno, quizá sea la mala literatura fantástica, que también la hay: desde luego que ese no es el caso de Los Rebeldes de Crow.

Me despido recomendando una vez más la lectura de esta apasionante novela a toda clase de lectores. Hay muchísimas razones para hacerlo, pero les advierto de algo: si empiezan a leer ya no podrá parar hasta el final, porque el libro engancha y lo hace al momento y de manera brutal, sin contemplaciones. Léanla si quieren por los vericuetos asombrosos de la trama, por el ritmo apabullante, por el poder visual del autor (hay escritores que usan las palabras como una cámara de cine, y Javier Márquez es uno de los mejores en esto), por el suspense in crescendo que continúa página a página, pero léanla. Y si todas estas razones no les parecen suficientes, entonces añadiré una más: léanla por el entusiasmo sin límites que Javier Márquez ha puesto en ella. En otras palabras: si él se ha dado el placer de contar esta historia, no sean ustedes menos y regálense a sí mismos el placer de leerla.

FANTASMAS EN LA NIEBLA.

AUTOR: Diego Martínez Torrón.

EDITORIAL: Algaida.

ISBN: 978-84-9877-303-3

Nº DE PÁGINAS: 120.

Reseña realizada por Alberto Díaz Villaseñor.

Publica, en Algaida Poesía, Diego Martínez Torrón su último poemario. Y decir último alude no sólo a la pertinente temporalidad editorial sino a la intención confesa del autor de que “Fantasmas en la niebla” sea, en efecto, su última producción poética. Marcado por la tragedia del trágico y súbito fallecimiento de su esposa, “Fantasmas en la niebla” es algo más y mucho más que una jaculatoria fúnebre, es un compendio sorprendente y magnífico –en sentido etimológico- de conceptos y definiciones, de declaración de intenciones y posicionamientos. Un posicionamiento, una toma de postura, valiente, política y poéticamente incorrectos, sobre el amor y la muerte, sobre la cultura y el arte, sobre la universidad, y sobre la poesía misma y la literatura.

“Fantasmas en la niebla” es ante todo un auténtico trompe l’oeil en el cual la engañosa proporción de la sencillez formal, en algunas ocasiones, se contrapone a la carga conceptual, en todo momento profunda, que surca cada página.

Arranca Martínez Torrón con unos versos a modo de haikus de imperfecta morfología pero de impecable intención para abundar después en una multiplicidad armónica de ritmos y métricas que incluyen igualmente la reflexión en prosa poética. Los textos aparecen todos datados entre julio y agosto de 2007, escritos con ocasión de cierto feliz viaje familiar a la costa sur de Inglaterra, excepto el titulado “Teoría de la Literatura”, fechado en diciembre de 2008. En el tono general, muchas veces de sensible sencillez, uno llega a toparse con algunos de los más hermosos decires de amor que haya leído últimamente (Mi sien/ sobre tu sien./ Y entonces/ siento/ latir/ el universo.)

Cuenta la obra con tres prólogos muy acertados: en un primer momento, una interesante poética de Shelley, a continuación varias estrofas de Antonio Machado y, finalmente, un comentario de Gustavo Martín Garzo que abunda en la lucidez y sencillez de los versos y en su serena belleza. Para Shelley, nos recuerda Martínez Torrón, “el poeta participa de lo eterno, lo infinito y lo uno” y la poesía “es a la vez centro y circunferencia del conocimiento, raíz y flor de transformación de cualquier otro sistema de pensamiento”. Y Machado nos dice que “todo poeta supone una metafísica (…) y el poeta tiene el deber de exponerla (…) en conceptos claros.”

Nos entrega Diego Martínez Torrón un libro extremadamente sincero como lo denota un afán casi obsesivo, apasionado, de definir las cosas, las ideas, los conceptos, las teorías: desde los temas ya citados hasta un acertadísimo análisis de la Música, a la que llega a dedicar seis poemas de una profundidad y compromiso inusitados.

Todo lo dicho nos conduce a contemplar con perplejidad un poemario, como es “Fantasmas en la niebla”, que creíamos enfocado únicamente al universal tema del amor por el amor y al desgarro que produce la muerte de la persona amada. Por eso, otra vez el trompe l’oeil, el trampantojo de una perspectiva errónea, nos hace darnos de bruces con el impúdico y desenvuelto desnudo de un poeta que nos exhibe la pasión por sus convicciones más íntimas y nos expone, a veces con cierta radicalidad fruto de la sinceridad sin ambages, ante la franqueza descarnada de su pensamiento.

Por último, y no podía ser de otra forma, “Fantasmas en la niebla” es por su puesto una declaración de amor, o varias declaraciones de amor: al amor malogrado en plena madurez y felicidad, al Romanticismo y al Romanticismo inglés, a la lengua inglesa y la Albión civilizada y civilizadora, y a la cultura como redención del ser humano.

EL TALLER DE LOS LIBROS PROHIBIDOS.

AUTOR: Eduardo Roca.

EDITORIAL: Martinez Roca.

ISBN: 978-84-270-3709-0.

Nº DE PÁGINAS: 637.

Reseña realizada por Celia Santos.

Colonia, principios del siglo XV. El conocimiento sólo está al alcance de unos pocos; nobleza y clero principalmente, que manejan el monopolio cultural y con ello al pueblo evitando así perder sus privilegios.

Un grupo de hombres, sabios y estudiosos que actúan desde la clandestinidad, quieren ofrecer al mundo el conocimiento a través de los libros. Lorenz, un orfebre humilde y miembro de esa sociedad, junto con su hija, está dispuesto a copiar libros y escritos que puedan llegar a todo el mundo. Pero Lorenz es zurdo y eso le impide poder hacerlo con la perfección de los copistas profesionales (todos miembros del clero). Eso no será un obstáculo para él, pues conseguirá hacerlo de otro modo… pero la osadía de él y sus colegas les supondrá un gran riesgo; la iglesia no está dispuesta a que los evangelios lleguen a manos del vulgo.

Aunque Lorenz no está solo. Alguien vigila su trabajo y le financia sus actividades. ¿Quién está detrás de su invento?

Estamos ante una novela concebida y escrita para seducir. Aborda un tema y una época muy atractivos, que nos invitan a sumergirnos en la obra y a identificarnos sin gran esfuerzo con el planteamiento de la trama.

Con un arranque magnífico, despierta sentimientos y emociones a flor de piel, algo positivo cuando lo que se busca es la implicación del lector. Dos historias que en principio parecen no tener nada que ver, pero que se adivina que en algún momento de la novela terminarán por confluir.

El autor utiliza elementos que seducen al lector; desgracia e infortunio, rivalidad protagonista-antagonista, romance, misterio… Esos miembros de una orden secreta que van apareciendo en la historia, y que en un principio no se sabe muy bien qué papel habrán de jugar en ella, le confieren un punto enigmático a toda la novela.

El autor escribe con pulcritud, y oficio y cuida el lenguaje, sin resultar por ello rebuscado ni pedante, al contrario, se nota la riqueza y el buen manejo del léxico.

La ambientación y localización son impecables, no en vano el autor reside actualmente en Alemania y conoce la zona perfectamente. Se adivina un gran trabajo de investigación pero sin caer en el tópico de otros autores que vomitan los conocimientos adquiridos durante el proceso sin poner el más mínimo cuidado ni mesura en lo que cuentan. En este caso, Eduardo Roca ha sabido medir esa información, pues en muchos casos, es más importante lo que se omite que lo que se cuenta.

Es esta una novela que, además de entretener, educa y nos hace reflexionar sobre la importancia del conocimiento, hoy al alcance de cualquiera y sin embargo desdeñado en demasiadas ocasiones.